Chemin tournant

La musique et les arts du langage, en premier celui de la poésie, sont de même lignage. Composer c’est assembler des sons en un tout où s’imbriquent le rythme, l’harmonie et la mélodie. Les mots dont nous nous servons afin d’écrire un poème, un récit ou une chanson sont eux-mêmes d’abord des sons. Ecrire, composer, impliquent une écoute. Pour cette dissémination de la web-association des auteurs, nous recevons Jean-Paul Prat, compositeur, musicien, créateur du groupe Masal et du projet Octogone, en commençant par un texte.

Des cris de couleur comme des traits de feu,   
des accords vibrant comme le tonnerre, la foudre !
Et de pauvres carcasses et des cœurs déchirés et des voix qui s’épuisent !

Des accords, comme des grappes mûres de raisin noir, 
serrées, prêtes à éclater sous le soleil.
De la musique, comme une toile,
de la peinture comme une danse !
…
La musique du vent, des torrents de couleur,
ces corps qui tourbillonnent sans pouvoir caresser tout ce que leurs yeux touchent… 
arpèges… mesures asymétriques… ne jamais s’arrêter… le Ciel !

Je rêve de rythmiques absolues, infranchissables,     
citadelle imprenable de sons amalgamés, place forte… et pourtant ciselée,
légère, cathédrale envolée, sublime refuge de notre âme exilée.

Elle descend, elle descend la citadelle, elle cherche ses enfants,   
qui la reconnaîtra ?
Des sons comme de la lumière, une lueur enfantée… espérance !
Liberté à la mesure du cœur foudroyé…
Et l’on touche à l’inaccessible. 

Ce texte poétique exprime la musique de Masal ?
Masal est le nom d’un groupe, mais plus que le nom d’un groupe, c’est le nom de ma musique. Parler de cette musique n’est pas chose facile. Elle est très différente de tout ce que l’on diffuse actuellement. Ce n’est pas de la variété, ni de la chanson; ce n’est ni du rock ni de la musique classique. Celui qui voudrait à tout prix la classer sans s’en être laissé pénétrer la nommerait sans doute musique progressive ou rock progressif, créneau dans lequel on amalgame les inclassables en tous genres.

Mes qualités de rythmicien donnent à la musique une atmosphère souvent envoûtante, quasi obsessionnelle. Elle invite l’auditeur à un voyage au cœur de lui-même, à la découverte d’une grandeur et d’une fantaisie surprenante, bien loin de toute grisaille. La meilleure chose à faire serait sans aucun doute de l’écouter, sans vouloir à tout prix la qualifier, mais vous savez comme moi que l’homme aime bien étiqueter et ranger dans des tiroirs.

On pourrait la nommer « architecture en mouvement » à cause de l’équilibre des lignes de force et de sa conception verticale, les différents thèmes allant et venant, se mariant, jouant les uns avec les autres. Très souvent, plutôt que de se développer d’une manière horizontale (le même thème évoluant en des variations parfois interminables) son architecture est cyclique, circulaire. Chaque thème est comme une vie qui se construit ; il se répète et à chaque tour s’enrichit d’autres mélodies, de compléments harmoniques et de développements rythmiques. C’est cela que j’appelle « conception verticale », comme des couches successives qui amènent le thème à sa maturité. Il peut alors s’ouvrir, comme une porte, sur un nouvel univers. J’ai souvent eu le sentiment que mes morceaux pourraient ne pas finir, s’enchaîner infiniment comme, dans un voyage, les paysages se succèdent ou comme d’innombrables facettes d’une même personne finissent par nous donner une idée de qui elle est.

Selon les époques de ma vie j’ai pensé et dit de nombreuses choses sur ma musique. J’ai dit, surtout à ceux qui la trouvaient agressive, «c’est une musique miroir» et je crois  qu’il y a là quelque chose de vrai. Aujourd’hui je le formulerais avec plus de nuances, non pour atténuer mon propos, mais pour qu’il ait une chance d’être entendu. J’essaierais d’expliquer que l’on peut y voir ce qu’on y met (peurs, angoisses, agressivité…) si on ne l’écoute pas vraiment comme un enfant pourrait écouter, en se laissant emmener en voyage. Beaucoup écoutent d’une manière psychologique, affective : « j’aime cette musique car elle me rappelle tel souvenir, telle autre musique que j’ai aimé ou simplement parce que je me reconnais en elle. »

Après l’enregistrement de l’album «Masal» [en 1983], j’ai eu l’occasion d’écouter de nombreuses fois la bande magnétique avec des personnes différentes, comme un tête à tête autour d’un morceau de musique qui dure 42 minutes ! Expérience édifiante quoique souvent douloureuse. En effet il m’était fait une «faveur» terrible : entendre ma musique comme l’autre l’entendait. Vous ne pouvez pas imaginer ce que j’ai pu entendre ! Cette expérience m’a beaucoup appris et me sert encore aujourd’hui (surtout dans les sessions que je donne) à réaliser ce que les autres entendent, ou plutôt n’entendent pas ! Ceux qui «écoutaient» avec moi m’ont dit les choses les plus étranges au sujet de ma musique : «ça ressemble à ceci ou à cela, ça me fait penser à ceci ou cela» Mais ces « ceci et cela » dont ils parlaient n’avaient le plus souvent aucun rapport avec ce que l’on venait d’entendre. Je me rendais compte que ces personnes cherchaient simplement à se rassurer en présence d’une matière qui pouvait aller jusqu’à les effrayer. J’ai ressenti la peur de certains pendant l’écoute et je me demandais comment on peut être effrayé par de la musique.  J’ai aussi perçu l’incompréhension et cela m’a fait découvrir que beaucoup cherchaient à comprendre ce qu’il faudrait plutôt écouter et accueillir.

Elle a écrit de très belles choses au sujet de l’attention véritable, de la vraie concentration, « attention » mais pas « tension », notamment un chapitre de son livre « Attente de Dieu » qui s’intitule « Réflexions sur le bon usage des études scolaires en vue de l’Amour de Dieu » :

J’ai très souvent assisté comme un spectateur à la formation des thèmes sous mes doigts, j’ai très souvent dû travailler ferme pour parvenir à jouer ce que je sentais se dessiner alors que j’improvisais au piano… C’est pourquoi je n’ai jamais ressenti d’orgueil en disant que je trouve ma musique très belle. Souvent j’ai approché mes oreilles tout près des cordes du piano  pour entendre des harmonies nouvelles qui, si elles pouvaient sembler dissonantes à beaucoup de personnes, ouvraient sur une grandeur, une pureté, une force évoquant pour moi un lieu d’appartenance. Comme l’odeur d’une patrie lointaine, d’une origine vers laquelle on est en chemin.

Tout cela, je le découvre en jouant ou en écoutant car ma musique ne naît jamais d’une idée, d’un concept. J’ai toujours à découvrir ce qu’elle exprime; je ne décide pas de mettre en musique tel événement ou tel sentiment. Cela n’est pas de mon ressort !

J’aimais dire naguère que j’étais un dé-compositeur, c’est à dire celui qui « attrape » quelque chose qui EST déjà et qu’il s’agit de révéler. Mais ce n’est pas tout à fait juste. Il y a, sans doute, de la matière musicale qui existe, qui est là quelque part, mais elle se révèle à travers l’identité, l’unicité de l’artiste ; identité qui a été pétrie par sa vie, son histoire, par tout ce qu’il a vu, entendu, touché, goûté et senti. Je suis le premier étonné de ce qui jaillit sous mes doigts lorsque je cherche. Ma musique est à la fois un monde que je connais et une matière qui me révèle qui je suis, qui élargit ma connaissance de moi-même. La musique vient de plus loin et « prend chair » de ma propre chair. Il y a une part de mystère dans le processus créatif.

Lorsque j’ai composé une partie de piano, je l’écris sur l’ordinateur. C’est à ce moment-là que la machine m’aide grandement car elle me permet d’écouter sans avoir à jouer. L’ordinateur joue – bien sûr d’une manière un peu raide – et moi j’écoute. Et parce que j’écoute, je finis par entendre ce qui jaillit du piano, les mélodies, le rôle qu’aura la basse, etc…

Elles peuvent apporter quelque chose d’intéressant, notamment au niveau d’un travail du son mais je ne crois pas qu’elles puissent conduire à un véritable renouveau de la création musicale. Si elle peuvent être utiles, elles permettent aussi – à mon grand dam ! – à des gens qui n’ont rien à dire de le dire quand même et de le dire avec qualité ! Cela ajoute à la confusion de notre époque. Il faut que le renouveau vienne du plus profond de l’être, lieu dans lequel bouillonne le son de notre siècle, lieu inaccessible à la machine !

Écouter c’est être présent, c’est s’habiter, être centré en soi. C’est donc être attentif, s’intéresser à l’autre, aux autres, à ce qui vit. C’est le contraire de l’indifférence qui est le premier pas vers le mépris. Écouter c’est être vivant !

A Bologne, en Italie, se répand certains jours et à certaines heures un parfum de rose damascène, celle qu’on nomme la Rosa Turca. Un bloc-notes de poésie porte aussi ce nom qui signe quelques poèmes distillés avec minutie. C’est en passant par Sigillature, une gallerie de photographies, que je suis arrivé là. J’étais intrigué, non par les images en soi, mais parce qu’elles m’apparaissaient comme les signes d’une recherche liée au temps, au silence, à la lumière, quête d’un « quelque chose » existant depuis toujours. Est-il possible d’en dire un mot ?

La chose la plus difficile est celle de toucher sa propre voix au-delà de la tournure des pensées, des visions du monde. Au-delà de nos postures. J’ai écrit plusieurs fois ce que je suis en train de dire : atteindre la matérialité d’un signe – un indice qui signifie et qui reste intraduisible, ancré dans son mystère. Couvrir la distance entre les sables et l’étendue (ou la nappe) de la mer et le ciel et tout autour les dunes qui ferment l’horizon, sans qu’il y ait aucune soudure dans le regard.

Retrouver les traces de sa propre voix c’est aussi perdre  la langue au moment où nous essayons les mots pour traverser ce regard barré – ce déblayage fabuleux. 

Depuis toujours, j’écris les yeux fermés.